Ci sono opere che invitano a soffermarsi non soltanto su ciò che rappresentano, ma anche sulla loro superficie. Il colore si addensa, un filo attraversa l’immagine, un piccolo elemento in rilievo cattura la luce. La materia non resta sullo sfondo: partecipa al racconto.
È da qui che possiamo avvicinarci all’arte materica, un modo di creare nel quale materiali, spessori e texture diventano parte del linguaggio dell’opera. Per apprezzarla non occorre conoscere termini tecnici: si può cominciare osservando ciò che accade quando una superficie smette di apparire uniforme.
Che cosa si intende per arte materica?
Nell’arte materica, la materia ha un ruolo espressivo. Non è soltanto il mezzo utilizzato per realizzare un’immagine: contribuisce a darle carattere attraverso consistenze, sovrapposizioni e rilievi.
Nella pittura materica questo può avvenire attraverso il colore stesso, lavorato per ottenere spessori e tracce visibili. In altre opere entrano anche materiali diversi, accostati o incorporati nella composizione.
Non esiste quindi un’unica ricetta per realizzare quadri materici. L’aspetto che li accomuna è l’importanza della superficie: il modo in cui è costruita concorre a ciò che l’opera comunica.
Quali materiali si possono usare?
Tra i materiali che possono trovare spazio in un’opera ci sono carta, tessuti, fili, sabbia, piccoli oggetti e materiali di recupero, oltre a colori e paste capaci di creare volume. Non devono essere presenti tutti, né è la loro quantità a determinare il valore del lavoro.
Un singolo frammento può diventare un punto di attenzione. Un tessuto può introdurre una trama diversa. Un filo può disegnare un percorso che dialoga con il colore.
Anche i materiali di recupero possono entrare nel processo creativo, acquistando una funzione diversa da quella originaria. Il loro impiego, però, non indica necessariamente un messaggio ecologico: il significato dipende dalla ricerca e dalle intenzioni di chi realizza l’opera.
La domanda interessante non è soltanto «che cosa è stato usato?», ma «che cosa cambia nell’immagine grazie a quella presenza?».
Soffermarsi sui materiali significa anche riconoscere le scelte e il tempo di chi crea. È uno sguardo che approfondisco nell’articolo Perché scegliere l’artigianato: il valore del tempo e dei pezzi unici: un percorso diverso da quello dell’arte materica, ma vicino nell’attenzione alla lavorazione e all’unicità.
Rilievi e texture: come cambia lo sguardo
La parola “texture” indica l’aspetto e la trama di una superficie. In un quadro materico può apparire ruvida, irregolare, fitta, morbida oppure segnata da solchi e sovrapposizioni.
Queste caratteristiche influenzano anche il rapporto con la luce. Gli elementi in rilievo possono produrre piccole ombre; alcune superfici trattengono la luminosità, altre la riflettono. Spostando il punto di osservazione, si possono notare dettagli prima meno evidenti.
Per questo una fotografia, pur permettendo di conoscere un’opera, può restituire solo in parte la sua dimensione materica.
L’impressione può essere quasi tattile, ma non è un invito a toccare: le superfici possono essere delicate e il contatto va sempre concordato con l’artista o con chi custodisce il lavoro.
Come osservare un quadro materico
Per avvicinarsi a un’opera di arte materica si può partire dall’insieme. Qual è la prima cosa che attira lo sguardo? Una figura, un colore, una zona luminosa?
Poi ci si può soffermare sui particolari: dove cambia lo spessore, quali materiali si incontrano, come una trama interrompe o accompagna l’immagine.
Infine, vale la pena tornare a guardare l’opera nella sua interezza. Quel dettaglio modifica il modo in cui percepiamo il soggetto? Lo rende più delicato, più intenso, più difficile da definire?
Non serve trovare subito un’interpretazione. Osservare significa anche lasciare aperta una domanda, senza attribuire a ogni elemento un simbolismo che l’artista non ha dichiarato.
Se questa curiosità ti porta dal desiderio di osservare a quello di sperimentare, puoi continuare con Il tempo del fare: quando la creatività diventa uno spazio per sé. Un’altra lettura della piazza, dedicata alla possibilità di avvicinarsi al fare creativo senza dover dimostrare subito di essere capaci.
Quando la materia incontra il ritratto: le Personagge di Raffaella
Un esempio di incontro tra colore e materiali diversi è il lavoro di Raffaella Brecciaroli, artista di Chiaravalle, nelle Marche.
Nella sua serie «Le Personagge», dedicata soprattutto a volti femminili, trovano spazio colore, filo e ricamo, strass, perline e materiali di recupero. Il ritratto diventa così un luogo nel quale convivono pittura ed elementi di natura diversa.
Anche il nome della serie custodisce una storia personale: «Le Personagge» è un’espressione inventata da sua figlia quando era piccola.
Raffaella racconta un processo creativo libero e mutevole. Lavora raramente su commissione, perché preferisce seguire ciò che sente di realizzare. Non una formula da ripetere, dunque, ma uno spazio nel quale lasciare emergere ogni volta una composizione diversa.
Dopo aver esplorato il significato di arte materica, le sue opere offrono un’occasione concreta per continuare a osservare: riconoscere un filo, soffermarsi su una perlina, scoprire come questi elementi entrano in relazione con un volto.
Vuoi vedere le Personagge e conoscere chi le crea?
Continua l’incontro nella pagina di Raffaella: trovi la sua storia e le sue opere.
Nota della curatrice
Mi piace l’idea che, davanti a un’opera, la prima occhiata non esaurisca l’incontro. Un dettaglio può chiedermi di rallentare, di avvicinarmi con lo sguardo e di accorgermi di qualcosa che prima non avevo visto.
Ho scelto di concludere questo percorso con Raffaella perché le sue Personagge portano il discorso sulla materia dentro una storia concreta. È questo che desidero coltivare nella piazza di Oikonomia: occasioni per conoscere non soltanto ciò che una persona crea, ma anche il suo modo unico di farlo.
Ninfea
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